El tema angustia, la película menos

El argumento de esta película puede causar estupefacción en cualquier mente y espíritu que aspiren a la racionalidad, que sientan respeto en su cabeza y en su corazón por el término tolerancia, ante las tendencias sexuales que acompañan al género humano desde su nacimiento. Puedes entender la legítima cautela o el miedo de los progenitores ante la posibilidad o la realidad de que si sus vástagos son homosexuales o lesbianas puedan tener una existencia más complicada que si fueran heterosexuales, aunque afortunadamente el paso del tiempo y la evolución del pensamiento ya no consideren un estigma social o una aberración genética la atracción hacia el mismo sexo, pero supone una barbarie pretender u obligar a los gais a cambiar su naturaleza o sus gustos mediante terapias, como si fueran apestados. El Papa, tan inteligente, hipnótico y aparentemente transgresor, manifestaba a Jordi Évole en Salvados su convicción en ese tema. Y el pastor supremo de las almas católicas de Alcalá de Henares lleva practicando esa presunta aunque salvaje curación desde hace no sabemos cuánto tiempo.

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La Academia del ladino encalla antes de nacer

Hace poco más de un año, en la sede de la Real Academia Española (RAE), ocho personas estamparon su firma en un documento. Con la rúbrica de una novena, el entonces director de la RAE, Darío Villanueva, se ponían las bases de la futura academia nacional del ladino, que se encargaría, desde Israel, de preservar el idioma que hablan los judíos herederos de los expulsados de la península Ibérica a finales del XV. Era el pago de “una deuda histórica”, como dijo Villanueva, y la invitación a formar parte en el futuro de la familia de academias de la lengua española (Asale), hoy con 23 miembros. Entre los firmantes, aquel 20 de febrero, estuvo la profesora Aldina Quintana, doctora en Filología Hispánica en la Universidad Hebrea de Jerusalén, impulsora del documento y del nombre que debía tener la academia, con la palabra “nacional”. La cara de satisfacción ese día de esta investigadora de la historia del judeoespañol es hoy muy distinta. En una reciente entrevista en la emisora Radio Sefarad –de las comunidades judías en España- criticó con dureza el periplo vivido desde entonces para la formación de la academia. En especial, “la ausencia de recursos y su falta de independencia”, ha declarado a EL PAÍS en conversación telefónica. Una situación que le ha llevado a desvincularse del proyecto. “Es una academia fantasma”.

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La degeneración de las ideas

Entre la exposición de Arte Degenerado, organizada por los nazis en Múnich, y que luego viajó a otras 12 ciudades a lo largo de cuatro años, entre 1937 y 1941, y la imposición del realismo socialista, al servicio de la causa, en el arte de la Alemania comunista, años después, apenas hay distancia moral. Es el totalitarismo. Es la represión, sin más, de cualquier sello, la que acaba con las ideas, con la libertad. Y así nos lo cuenta en La sombra del pasado Florian Henckel von Donnersmarck, director de la formidable La vida de los otros (2006) y de la infame The tourist (2010), en una de esas películas-río más grandes que la vida. A la antigua, a contracorriente, con el sello del melodrama, tan poco acostumbrado hoy, y a través de los ojos, las dudas, las caídas y el impulso de un joven que acudió siendo un crío a la muestra de arte moderno denigrado por Hitler y, más tarde, se convirtió en un artista fundamental de la República Democrática Alemana.

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Regreso a la pureza del corazón

En la portada del número 21 de sus aventuras, publicado en 1943, el superhéroe hoy rebautizado como ¡Shazam! –pero entonces aún conocido como Capitán Marvel- se enfrentaba a Adolf Hitler iluminando su medrosa figura con un arma implacable: el Rayo de la Honestidad. La portada del número 31, aparecido en enero de 1944, se centraba en un Capitán Marvel pensativo, con sus versiones angélica y demoníaca, encarnaciones de su buena y mala conciencia, susurrándole consejos en cada oído. El trazo caligráfico y redondeado de su dibujante C. C. Beck devuelve al lector contemporáneo ecos muy ajenos a la concepción del superhéroe posmoderno: la estética se coloca a medio camino entre la flexibilidad del cartoon y la transparencia de la línea clara. El personaje fue hijo de los cuarenta, una década en la que el arquetipo del superhéroe estaba en su edad de la inocencia, como cristalización de un idealismo colectivo que se definía en la pureza de corazón. La invocación mágica que convertía a un niño en superhéroe era un acrónimo de valores mitológicos –Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio- y la frontera del lado oscuro la trazaban los siete pecados capitales.

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Buena reacción química

Al revisar Melodías de Broadway 1955 (1953) de Vincente Minnelli, una estrategia formal se impone al placer nostálgico: la capacidad de Fred Astaire para estilizar gestos cotidianos logra que algunos de los números musicales de la película se hayan iniciado mucho antes de que al espectador le resulte evidente. Ocurre, sobre todo, en la danza nocturna en Central Park entre el actor y Cyd Charisse. Es fascinante apreciar cómo Astaire y Charisse ya estaban bailando mucho antes de bailar: en la coreografía de sus gestos mínimos, en su paseo en calesa, en su deambular casual por el parque… Salvando todas las distancias, en La boda de mi ex, segundo largometraje de un Victor Levin que ya dio una impronta europea y sofisticada a la comedia romántica en su ópera prima De 5 a 7 (2014), Winona Ryder y Keanu Reeves empiezan, por llamarlo de algún modo, a bailar desde el minuto 1, cuando aún no resulta evidente que lo que estamos contemplando es un sinuoso juego de seducción y cuando todavía no ha quedado de manifiesto cuál es el juego de síntesis narrativa que propone el cineasta.

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La dimensión desconocida

La esquina desde la que autores como Rod Serling, Richard Matheson, Franz Kafka, Pere Calders o Quim Monzó han observado la realidad para detectar, en su centro, un punto de reveladora extrañeza no debe de situarse muy lejos de la esquina desde la que Esteve Soler descifra el actual estado de las cosas para situarse a la contra de esos valores absolutos que han ido perdiendo su significado. Las ideas que finalmente fueron nutriendo la trilogía de piezas teatrales que convirtió a Soler en exportable autor revelación de la escena teatral –Contra el progreso, Contra el amor, Contra la democracia, bautizadas extraoficialmente como la Trilogía Indignada– habían nacido en su día en forma de relato breve: unos textos que por aquel entonces no encontraron editor y cuya publicación en el volumen En contra. 23 contes teatralitzats (Edicions 3 i 4) vino finalmente impulsada por el imponente éxito de su transubstanciación escénica. Si las ideas de Soler han sido capaces de viajar felizmente a través de diversos idiomas y contrastadas concepciones escénicas, la película 7 razones para huir demuestra que también son capaces de sobrevivir, con mayor o menor eficacia, a radicales cambios de lenguaje artístico.

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Coppola cumple 80 años

Francis Ford Coppola no entiende rodar películas sin asumir riesgos. “Hacer películas es un juego donde apuestas todas tus cartas. Por eso en cada una, lo doy todo”, dice. Y así ha sido. El cine le ha proporcionado muchos momentos de gloria, cinco Oscar y dos Palmas de Oro en Cannes entre otros muchos premios, pero también grandes quebraderos de cabeza. Se ha arruinado por culpa de los fracasos comerciales de varias de sus películas, teniendo que hipotecar sus bienes. Un precio que no le ha importado pagar: “Si no te arriesgas, ¿cómo vas a hacer algo realmente hermoso, que no se haya visto antes?”.

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El trepidante poderío funky de Stone Foundation

Cuando se habla de Paul Weller, uno de los grandes iconos de la música británica, se cita poco a la otra banda que tuvo que no fueron los fabulosos The Jam. Fueron los también fabulosos The Style Council, en el que dio rienda suelta a su adoración por el funk, el soul y el rhythm and blues. Este escribiente se declara gran admirador de The Style Council, pero también de sus más dignos discípulos: Stone Foundation.

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Lo que pudo haber sido

Hay películas que llevan impresas en sus imágenes y en su letra sus ambiciones y su corto alcance, el ADN de lo que lo que pudieron ser y de lo que han acabado siendo. Películas que, incluso mientras se ven, no paran de provocar pensamientos acerca de su intrahistoria, elucubraciones más o menos disparatadas sobre su proceso de producción. Una de esas obras es Asher, con guion del novel Jay Zaretsky, que bien podría haberse convertido en un oscuro thriller de Doug Liman protagonizado por Liam Neeson y Robin Wright, y se ha quedado en plomiza serie B dirigida por Michael Caton-Jones y protagonizada por Ron Perlman y Famke Janssen.

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